Vocês que acompanham meu blog devem estar achando estranho um post sobre um filme recente, mas esse filme tem toda a aura "retrô" e clássica que eu gosto e decidi escrever um pouco sobre ele. O que me encantou nele primeiramente foi o trailer e a sinopse e logo após o pôster que lembra muito um filme antigo produzido entre as décadas de 50 e 60, decidi conferir e não me arrependi.

Ada Harris (Lesley Manville) é uma diarista que sonha com o retorno do marido após a Segunda Guerra, porém ela acaba recebendo a constatação de que ele morreu em combate. Ela torna-se obcecada com a ideia de ter um vestido Dior e passa a juntar dinheiro para realizar seu sonho. Após juntar a quantia necessária, ela parte para Paris em busca do seu tão sonhado vestido. Chegando em Paris, com seu jeito peculiar, ela acaba encantando diversas pessoas, incluindo os funcionários da casa Dior, com exceção de Claudine (Isabelle Huppert), a esnobe diretora, que não aceita uma mulher pobre tendo acesso aos vestidos da grife.

No desfile, Ada encanta-se por um vestido, mas Claudine faz com que outra cliente o escolha e então ela contenta-se com um outro. Após comprar o vestido, Ada descobre que ainda terá que passar mais um tempo em Paris para os ajustes e embarca em várias aventuras e até mesmo em uma possibilidade de um novo romance. Ela descobre que a casa Dior está com problemas financeiros e ajuda André (Lucas Bravo), o contador, a expor suas ideias a Christian Dior (Philippe Bertin), em busca da salvação e popularização da marca. Ao retornar de Paris, Ada percebe que a viagem e a realização de seu sonho, mudaram a forma como ela enxerga as pessoas e a vida.

O filme é baseado em um livro chamado "Mrs. 'Arris Goes to Paris", primeiro de quatro livros que contam as aventuras de uma faxineira. O primeiro volume foi publicado em 1958. A obra foi adaptada para a TV em três ocasiões: em 1958, 1982 e 1992, nesta última, tendo Angela Lansbury como protagonista. 

Além de Lesley Manville que conduz a personagem principal com maestria, simplicidade e carisma, o outro grande destaque fica por conta de Isabelle Huppert e sua antipática e esnobe Claudine, uma personagem que poderia ser levada para o lado caricato, mas conduzida por Huppert torna-se uma personagem fascinante, ainda mais quando o filme mostra o lado humano da mulher que está ao lado do patrão, mas que é de certa forma invisível.

"Sra. Harris vai a Paris" é um filme leve, emocionante e divertido que precisa ser visto com o coração e não com o olhar frio e técnico cinéfilo. Embora alguns poucos críticos estejam falando mal, não é um filme ruim ou vazio, muito pelo contrário, possui até um viés de crítica social. Vale também mencionar as reproduções dos vestidos Dior que são um colírio para os olhos, é como se fôssemos transportados para o final da década de 50, com toda sua elegância e requinte.

Adaptações cinematográficas de obras de William Shakespeare não são uma exclusividade do cinema falado, embora quando toquemos no assunto seja impossível não pensar primeiramente nas adaptações estreladas e produzidas por Laurence Olivier e Orson Welles. Tempos antes, no cinema mudo já existiam adaptações. De acordo com pesquisas, cerca de 300 adaptações foram realizadas durante esse período, muitas delas acabaram se perdendo com o tempo, enquanto as sobreviventes entraram em profundo esquecimento, Otelo, realizada em 1922 é um desses exemplos.

Produzida na Alemanha, é considerada a primeira grande produção da peça escrita por Shakespeare provavelmente em 1603, essa versão foi protagonizada por Emil Jannings, um dos atores mais populares do cinema mudo alemão. Embora Jannings esteja ótimo como Otelo, o destaque do filme fica com Werner Krauss como do sórdido Iago. Krauss fez de Iago uma sombra por trás dos personagens, alimentando paranoias e causando intrigas de forma sutil, mas totalmente explícita para quem assiste ao filme. O papel mais famoso de Krauss foi o Dr. Caligari no filme homônimo realizado em 1920.

Ainda que essa versão seja considerada uma grande produção, ela de fato não foi a primeira adaptação cinematográfica da peça que já havia sido adaptada duas vezes na Itália: em 1906 e 1909. A versão de 1909 traz uma das Divas do cinema mudo italiano Vittoria Lepanto como Desdemona. 

O general Otelo é considerado um dos homens mais valentes do exército de Veneza. Ele nutre uma paixão por Desdemona, mas o pai da moça não concorda com o casamento, muito provável por Otelo ser negro (no filme há uso do Blackface). Otelo precisa nomear um tenente e Iago pensa que ele será o escolhido, mas acaba sendo preterido por Cassio, um rapaz inexperiente que nutre uma grande devoção por Otelo. Iago então decide vingar-se. Otelo e Desdemona fogem e se casam, para assim deixar o pai de Desdemona sem escolha, a não ser aceitar o romance. Sabendo que Otelo não confia em mulheres, Iago passa a armar intrigas entre o casal, alimentando o ciúme doentio e possessivo de Otelo, sugerindo que sua amada e Cassio são amantes. 

Um ponto interessante do filme é o homoerotismo sugerido na devoção entre Cassio e Otelo e até mesmo na inveja de Iago ao ser preterido pelo inexperiente rapaz. O homoerotismo entre Cassio e Otelo fica latente nas cenas finais, principalmente na última cena de ambos onde fica sugerido que havia algo muito mais forte do que apenas amizade ou devoção.

Otelo está presente na caixa Shakespeare - Cinema Mudo que conta com minha curadoria. A caixa está disponível para compra no site Colecione Clássicos e no mercado em geral. Clique na imagem para saber mais:

Pobres passando-se por ricos é um dos enredos mais batidos do cinema, porém torna-se fascinante quando uma habilidosa diretora pega uma história que poderia ser mais uma qualquer e consegue transformá-la em algo diferente do que já foi mostrado e é isso que podemos ver em "Felicidade de Mentira" (The Bride Wore Red) dirigido por Dorothy Arzner.

"Felicidade de Mentira", aborda a história clássica da gata borralheira transformada em uma elegante dama, mas o que a diferencia das demais é a forma como ela é conduzida, além da forma como a protagonista é retratada. Não é pelo fato da protagonista ser pobre que ela necessariamente precisa agir com inferioridade e é isso que torna o filme atraente, justamente por trazer uma mocinha que no fundo é uma anti-heroína, indo contra tudo o que era mostrado nos filmes de Hollywood na época.

Em uma noite, um entediado conde chamado  Armalia (George Zucco), após uma conversa filosófica com o amigo Rudi Pal (Robert Young), onde discutem o que separa e difere os ricos dos pobres, decide pegar a cantora de um cabaré e transformá-la em uma dama e deixá-la viver por duas semanas entre os ricos em um hotel. A escolhida é a ambiciosa Anni (Joan Crawford) que vê na oportunidade a chance perfeita de ascender socialmente.

Quando Anni chega à estação de trem, ela conhece Giulio (Franchot Tone), carteiro local, um homem simplório e sem grandes ambições. Ele a leva para o hotel e após isso torna-se presença constante em sua vida. No hotel, Anni vive sob a identidade de Anne Vivaldi, filha de um oficial, lá ela também reencontra uma antiga companheira de trabalho, Maria (Mary Philips) que torna-se sua cúmplice no plano de enriquecer.

No mesmo hotel, está Rudi que não a conheceu no cabaré, portanto não sabe do seu segredo. ele está acompanhado de sua noiva Maddalena (Lynne Carver), o pai dela e a Condessa di Meina (Billie Burke). Rudi encanta-se por Anni, mesmo estando comprometido e isso desagrada a Condessa que de cara nutre uma antipatia por Anni e sempre a alfineta de forma indireta. Ao perceber o interesse de Rudi, Anni decide encorajá-lo para conseguir casar-se com ele, mas ela acaba nutrindo um sentimento conflituoso pelo simplório Giulio que é o oposto de tudo o que ela ambiciona naquele momento.

Mesmo sendo a mocinha e a protagonista, Anni não é de longe uma heroína sonhadora ou ingênua, mesmo nas entrelinhas o filme mostra que ela é uma prostituta no cabaré em que trabalha, por isso ela vê nessa chance, a oportunidade de casar-se com um homem rico e esquecer seu passado. A sua ambição e às vezes a falta de um sentimento humano, fazem com que ela torne-se uma anti-heroína. Seu desprezo por Giulio é causado por ele ser o que ela no fundo sempre quis, mas como o dinheiro manda no mundo, ela procura em um homem a segurança financeira, em primeiro lugar.

Como em todo filme de Dorothy, a rivalidade feminina não é influenciada, com certeza vocês estão cansados de ler isso em meus textos sobre os filmes dirigidos por ela que escrevo, mas é uma das características do cinema da diretora e em cada filme essa característica é abordada de forma diferente. A única pedra no sapato de Anni é a Condessa que por ser rica e esnobe faz questão de alfinetá-la e a Condessa de longe percebe que Anni não é o que aparenta, mas mesmo assim não é um embate forte, apenas um tempero para a história. A relação de Anni com Maddalena também é abordada de forma diferente, mesmo Anni envolvendo-se explicitamente com seu noivo, não há conflitos entre as duas personagens, elas conseguem se entender sem a necessidade de conflitos.

Há uma cena interessante em que Anni diz a Rudi que ele é o homem comprometido e que isso é um problema que ele que tem que resolver e não ela, dificilmente veríamos cenas como essa nos filmes da época. Há outra cena interessante onde suicídio é mencionado de forma implícita e Anni diz que isso é um ato de coragem e não de covardia. Mesmo produzido sob as asas da censura é um filme que tentou ousar quando lhe era permitido. O destaque filme está obviamente em Joan Crawford, mesmo que o papel não lhe peça muito, ela está em um dos seus melhores momentos, tanto de atuação, quanto de beleza e Dorothy Arzner ciente de que estava diante de um dos rostos mais fascinantes do cinema, conseguiu capturar tudo isso.

O vestido vermelho, foi confeccionado por Adrian, famoso figurinista da MGM. Ele vestiu Joan Crawford, Norma Shearer, Greta Garbo, Katharine Hepburn, Jean Harlow e diversas outras estrelas do estúdio. Joan seria uma das atrizes que ele mais vestiria, ao todo 28 filmes estrelados por ela, contam com o figurino assinado por ele. 

Inicialmente, Joan Crawford não foi a primeira escolha para o papel: Luise Rainer havia sido a escolhida, porém Louis B. Mayer não havia gostado da forma como o roteiro do filme fora elaborado dando ênfase à prostituição. Ele então pediu uma reformulação onde ficasse evidente que a história seria uma versão sombria da história de Cinderela, mas com um final clássico e feliz. Com a desistência de Luise, Joan assumiu o papel. Este seria o último dos sete filmes estrelados por ela e por Franchot Tone, seu marido na época.

"Felicidade de Mentira" está presente na caixa que traz 4 filmes dirigidos por Dorothy Arzner e que conta com a minha curadoria. Essa caixa foi lançada pela Obras-Primas do Cinema. Clique na foto abaixo para comprar ou para maiores informações:

Lois Weber foi considerada uma das mais importantes cineastas do cinema mudo, chegando a ser comparada com D.W. Griffith, foi também a diretora mais bem paga desse período. Curiosamente, seus filmes eram críticas sociais, temática que poderia repelir o público que naquela época, com a novidade que era o cinema, buscava mais fantasia do que realidade nos filmes que eram exibidos. Com grande talento, sensibilidade e consciência de classe, Lois Weber conseguia fazer um cinema realista, mas que de certa forma acabava atraindo o interesse do público e gerava discussões. Mesmo tendo tudo para fracassar por expor a realidade e incomodar, seus filmes faziam bastante sucesso e ela ao lado de seu marido Phillips Smalley estavam sempre no topo das bilheterias. "Onde Estão Minhas Crianças?" (Where Are My Children?) produzido em 1916, talvez seja seu filme mais complexo, pois fala sobre métodos contraceptivos, aborto e de forma inconsciente sobre o papel de reprodutora da mulher na sociedade. 

No protagonismo do filme há um casal (na vida real, pais do ator Tyrone Power) que vive um dilema: o homem quer ser pai, enquanto a mulher não. Ele é um bem-sucedido promotor público e ela a dona de casa perfeita. Por não ceder às vontades do marido, ela é vista como egoísta e ele como uma vítima (às vezes ele parece uma criança que quer muito um brinquedo). Um fator que talvez Lois Weber tenha trazido inconscientemente para discussão é o papel de reprodutora que a mulher sempre teve na sociedade. Pelo menos a minha impressão foi que Lois Weber sem querer levantou uma interessante discussão: e se o contrário acontecesse: se o homem não quisesse ter filhos e a mulher sim, será que o homem seria visto como egoísta e a mulher como vítima? Acredito que não e acho esse fator fantástico em um filme de 1916.

Outra história que se desenvolve durante o filme é o envolvimento do irmão da protagonista com a filha da empregada, onde ela acaba engravidando e ele não quer de forma alguma assumir a criança, primeiro por irresponsabilidade e segundo pela diferença social, esse segundo fator sempre esteve presente nos filmes de Lois Weber, ela sempre fazia questão de debater em suas obras as diferenças de classes, mesmo bem-nascida e com uma excelente posição social, ela possuía consciência de classe e sabia que poderia através do seu trabalho debater essas questões e trazer reflexões para o público.

Como o rapaz não quer de forma alguma assumir a paternidade da criança, há apenas uma solução: o aborto. O aborto é feito, porém a moça não consegue sobreviver ao procedimento que não foi feito corretamente. A história acaba ganhando conhecimento geral e causando um mal-estar entre patroa e empregada e mais uma vez a diferença de classes é exposta. Com esse escândalo, o médico é preso e uma rede composta por mulheres que fizeram aborto é descoberta e entre elas, a esposa do promotor. Quando a verdade é exposta, o casamento deles entra em crise com ele acusando-a pelos abortos que ela cometeu e a questiona: "Onde Estão Minhas Crianças?".

Esse é um dos trabalhos que considero complexos, pelo fato de Lois Weber ao mesmo tempo conscientizar as pessoas dos métodos contraceptivos, condenar o aborto. Ela era uma mulher bastante religiosa e isso também pode ser visto em sua obra. Ela também critica o fato do aborto ser uma exclusividade das mulheres ricas, mesmo o condenando. Antes desse filme, qualquer assunto sobre método contraceptivo era considerado tabu e muitas mulheres lutavam pelo direito de não engravidarem e como sempre a responsabilidade contraceptiva caía sobre elas.

No próprio filme, Lois Weber coloca a culpa do aborto nas mulheres quando as mostra sendo "assombradas" por crianças vestidas como anjos em sobreposição de tela, que simbolizavam os abortos cometidos. Os homens eram isentados dessa responsabilidade e voltando à trama do irmão da protagonista, mesmo após todo o ocorrido, ele era tratado apenas como um "garoto". Devemos salientar que Lois Weber foi uma pioneira e feminista que derrubou diversas barreiras, mas que possuía seus próprios pensamentos arcaicos que eram fruto da época que viveu e não merece de forma alguma qualquer tipo de cancelamento, mas podemos pegar esses fatores e debatermos e tirar algo de positivo de tudo isso. 

O filme é baseado em um caso de escândalo envolvendo Margaret Sanger, famosa ativista de controle de natalidade, escritora e enfermeira. Ela abriu a primeira clínica de controle de natalidade nos EUA,  chegou a ser processada por causa dos seus escritos e passou um tempo exilada na Grã-Bretanha. Seus esforços e materiais escritos ajudaram diversos casos judiciais a legalizar a contracepção nos EUA. Por sua visão, muitos pensavam que ela era favorável ao aborto, porém ela não o era. Ela também era uma forte apoiadora da eugenia e foi duramente criticada por isso. Ela considerava os métodos contraceptivos a única maneira de evitar um aborto. O filme foi escrito por Lucy Payton , Franklin Hall, Lois Weber e Phillips Smalley, embora no filme não tenha créditos de direção, ele foi dirigido por Weber e seu marido na época, Smalley.

Mesmo tocando em assuntos espinhosos, o filme fez grande sucesso, mas foi censurado e banido em diversos países. No ano seguinte, Weber e Smalley produziriam mais um filme com a temática: The Hand That Rocks the Cradle (A Mão que Balança o Berço), onde eles interpretam um casal ativista que faz campanha a favor de educação sexual e planejamento familiar. O filme acabou fracassando e Weber chegou a declarar que não ficou satisfeita com o resultado final, hoje é considerado um filme perdido. 

"Onde estão minhas crianças", encontra-se na caixa As Pioneiras do Cinema, que conta com minha curadoria e de Thiago Alves.

"Quando a Mulher se Opõe" (Merrily We Go Hell), talvez seja o filme mais amargo que Dorothy Arzner produziu em Hollywood sobre relações humanas, no caso sobre um casamento. Neste filme ela abordou a felicidade e o declínio de um casal apaixonado, a começar pela diferença de classes sociais. Neste filme, fica latente o estilo da diretora que sempre trazia em suas obras a discussão sobre o papel da mulher na sociedade, o que espera-se que ela faça e o que ela não faça, como também a responsabilidade que cai sobre elas quando os homens erram.

O filme começa com o encontro de Jerry (Fredric March) e Joan (Sylvia Sidney) em uma festa. Ele um jornalista e ela uma herdeira. Desde esse momento, já avistamos Jerry alcoolizado e durante o filme são poucas as vezes que podemos encontrá-lo sóbrio. Joan acaba se apaixonando por ele e mesmo contra  a vontade de seu pai que de cara percebe que o relacionamento não tem futuro, envolve-se com Jerry. Eles acabam casando-se.

A princípio o casamento é feliz e Jerry torna-se sóbrio, porém a felicidade do casal é arruinada quando Jerry decide escrever peças e após uma série de recusas tem uma peça aprovada e a protagonista é Claire (Adrianne Allen), um antigo amor de Jerry que o abandonou. Após o abandono de Claire, Jerry descontou suas frustrações na bebida. Com o reencontro de Jerry e Claire, Joan acaba ficando em segundo plano na vida do marido. Jerry e Claire retomam o caso e Joan decide pagar na mesma moeda, permitindo-se conhecer outros homens.

Aparentemente Jerry pouco se importa com as decisões tomadas pela esposa e mantém o caso com Claire e afunda-se mais ainda na bebida. Joan descobre que está grávida e que sua saúde sofre risco, ela então decide-se afastar do marido autodestrutivo. Quando isso acontece, Jerry percebe seus erros e tenta se redimir.

Um dos pontos altos dos filmes são os personagens complexos e de certa forma humanizados. Jerry é um homem covarde que joga na bebida a culpa de seus fracassos e age de certa forma como um garoto mimado. Joan é a mocinha que é protegida pelo pai do mundo, mas que ao casar descobre que a realidade é outra. Ela não é nem um pouco maçante, muito pelo contrário é uma personagem forte até na medida do possível, lembremos que estamos falando de um filme da década de 30. Ela sabe que talvez tenha cometido um erro ao casar-se com Jerry, mas não permite que o pai entre em cena e conserte esse erro, assim como ele fez a vida toda. Ela quer ir até o fim para saber se está errada ou não. Em momento algum ela é uma personagem sonsa por ser a mocinha da história e isso é um ponto positivo para o filme. Fica mais fácil torcer por ela do que por Jerry, por exemplo.

Uma outra personagem interessante é Vi, interpretada por Esther Howard, uma mulher que teve um casamento que não deu certo e é amiga do casal. Ela está ali presente na vida do casal, como um exemplo da realidade e ela muitas vezes é o puxão de orelha que o público gostaria de dar em Joan. Seu pai mesmo que protetor, também age como a consciência do público, alertando para a personagem que talvez ela tenha errado bastante ao casar-se com Jerry.

Outro fator interessante é a ausência da rivalidade feminina. Em filmes Pre-Code é muito comum vermos mulheres rivalizando por causa de homens e aqui isso é ausente. Mesmo Claire sendo uma personagem com todos os adjetivos que causam ódio, não há um embate entre ela e Joan. Há uma cena interessante, onde Jerry quer transferir sua culpa para Joan, lhe dizendo que sente vontade de ir ver Claire e que se Joan não quer que isso aconteça, que o impeça de ir. Joan simplesmente abre a porta e lhe diz que ela não é capaz de lhe dizer o que ele deve ou não fazer e ele então vai.  Dorothy usou Joan para mostrar ao público que o errado da história era Jerry e não a esposa e tampouco a amante. Ele mesmo causou todos esses transtornos. Essa é uma das melhores cenas do filme. 

"Quando a Mulher se Opõe" está presente na caixa que traz 4 filmes dirigidos por Dorothy Arzner e que conta com a minha curadoria. Essa caixa foi lançada pela Obras-Primas do Cinema. Clique na foto abaixo para comprar ou para maiores informações: